このセットボックスがあるという情報は前から知っており、聴きたくて仕方無かったのですが、しばらく出張に行っていたこともあってようやく入手できました。

シャンティクリアは１２名のアメリカの男性合唱団ですが、特筆すべきはそのハーモニーの美しさです。ユニゾンとかもの凄く綺麗です。あとはレパートリー（扱うジャンル）の広さでしょうか。ルネサンスから現代曲までこなしてしまいます。

セットに入っている以外のCDもあったはずですが、曲としては最近のレコーディングを除いて大体カバーしているように思います。

あれもこれもと色々やりたいことはありますが、まずは最近練習に使った合唱曲を録音してみようかと思います。練習したと言っても各パートを一通り歌っていたという程度ですが。

①ひとつの朝

②大地賛頌

③海はなかった

④七つの子

⑤いざたて戦人よ

⑥君が代

４月中を目標に、録れたらアップします。

これから荷物整理ですが、練習は…

明日からですかね…

（以下、「海はなかった」歌詞全文掲載予定）

歌詞は以上です。
海を前にした若者が、空に飛び立てないまま死んで行ってしまった鳥たちに自分を重ねて思いを馳せている、そんな場面です。
暗い海と厚い雲に、希望を見出せない現実や社会を対比させています。
夏の旅人の髪飾りというのはこの鳥の羽ですが、若者にとっては自分の生きた痕跡（あしあと）ということになります。

詩に物語性があるので、情景は比較的思い描きやすいですが、象徴されるものと対比については解釈が色々あるかも知れません。
入り江は寂しく、ふたりの他には何もおらず、そこで白い羽を見つけます。
光にかざして鳥の生きていた過去、終わってしまった夏を思います。
人生を謳歌できるべきなのに、それができない現実。
名も無い鳥の生きた痕跡である羽を墓標に、浜辺にお墓を作ります。

公害のことを歌っているのだ、ということが時々言われるようです。
確かに１９６０年代には水俣病に代表される海の公害をはじめ、作詞された頃には岡山のコンビナート重油流出事件などもあり、「海は鳥たちのまばゆい記憶を汚して消した」という部分を公害と捉えることもできるのですが、
それでもそれは曲のテーマではなく、テーマはあくまでも希望を見出せない若者のやるせない思いということだと考えています。
また、「ふたり」で浜辺に砂のお墓を作るということから、この２人の恋は終わってしまって、だから主人公は絶望しているんだという解釈も聞きますが、この雰囲気が失恋の歌であるとはどうも思えません。

作詞者によれば、都会へ出た後過疎地へ戻ったものの居場所が見出せない若者のエピソードからインスピレーションを受けたそうで、これは組曲の４曲目「海の匂い」にもっともよく表れているように思います。
組曲を通してのテーマは海を前にした人間の思いで、第４曲目までは自由に生きられないことへのもどかしさと絶望ですが、最終曲でようやく希望を歌います。

まずは１、作品概説です。

混声合唱組曲「海の詩」より第１曲「海はなかった」
作詞：岩間　芳樹　作曲：廣瀬　量平

この曲は元々、昭和５０年（1975年）のNHK全国学校音楽コンクール高等学校の部の課題曲として作曲されたものです。
その後、４曲が作られて混声合唱組曲となりました。第２曲～第５曲は後に松平敬氏により編曲され、男声合唱版（２００７年初演）、女声合唱版（２０１０年初演）が出版されています。
組曲として根強い人気があることが伺えます。
混声・男声・女声と出版されている合唱組曲は、意外と多くはないものです。
もっとも人気があっても、曲調が合うかどうかという理由で作られないものもあると思います。女声版「月光とピエロ」とか違う気がしますし。

話が逸れました。
組曲の構成は
第１曲　海はなかった
第２曲　内なる怪魚　シーラカンス
第３曲　海の子守歌
第４曲　海の匂い
第５曲　航海
となっていて、
第２曲「内なる怪魚　シーラカンス」は合唱としては少々特殊な音を使う（楽譜を見れば一目瞭然です）ことと、第３曲「海の子守歌」は歌詞が無くソロが長いということもあって余り耳にしないようですが、他３曲は独立して演奏されることが多く、中学・高校でも頻繁に取り上げられるようです。

「海はなかった」に話を戻します。
曲を通して重苦しく暗い雰囲気が続きますので、暗く美しい曲が嫌いな人には残念ながらおすすめできません。
衝撃的で不気味なピアノの前奏から始まり、一段落した後に女声から合唱が動き始めます。
この合唱の音型はとても素直で美しく、フレーズを歌うことが大切になります。
中間部は男性から歌い始め、海の残酷さを表現します。
その重厚な雰囲気は盛り上がりを見せ、再び最初のテーマに戻り締めくくられます。

おすすめの演奏：

福島県立安積女子高等学校
指揮　渡部康夫

発音の繋がりが自然で、聴いていて心地よいです。

http://www.youtube.com/watch?v=e6ry4A8IKDw

アカペラの曲をやるのに、音とりは各自で事前にやっておくことにしていましたが、そのために440Hzの音叉を１本ずつ渡して、音程練習はこれだけでやること、と言う無茶な要求をしていました。

問題は練習の進め方のみならず、当初から見込みのありそうな知り合いを片っ端から当たっては「明確に断らなかった」人を強制的に入れると言う詐欺まがいの勧誘をしていましたし、意見・要望が出されないことを良いことにやりたい放題我儘を通していました。

私は常日頃より自分を基準に物事を考える悪い癖があり、今でこそ多少まともにはなったようですが、当時は強烈でした。自分にできることは他人に要求して当然と考えていましたし、自分が楽しいことは他人も同じかそれに気づいていないだけと思い、とにかく何でも強制していました。

当然上手く行くはずもなく、作った団体は半年くらいで解散したと記憶していますが、今思い返すと苦い思い出と同時に色々な教訓があって勉強にはなったと思います。

人に依ってバックグラウンドやスキル、取り組むスタンスややる気、方向性が異なるのですが、音楽に限らず２人以上が共同して何かに取り組む際にはこれをいかにまとめて方向づけて行けるかということが重要です。長期間取り組む際には尚更、この点を気を付けなければ上手く行かないと思います。

一般に合唱の練習ではパートごとに音とりをすると思いますが、実際には本番でも全員音程が完全にとれているというのはなかなか聴きません。ハーモニーがきれいに聞こえないのは音程だけではなく発声など他の問題もあるのですが、多くの場合音程のずれを改善するだけで聞こえは良くなるので、これはしっかりやっておくべきだと思います。

基本的な考え方は、パートの音をとる→和音を作る練習をする→それでも怪しいところは残るので再びパートの音を確認する

という作業の繰り返しです。

パートの音を出すのは楽器でもMIDI等打ち込み音源でも何でも良いのですが、ここでは分かりやすくピアノということにしておきます。突っ込んだ話をすると、ものによって音色などが異なり、音のとりやすさ、和音のわかりやすさに差が出ますし、音程の取り方は純正律と平均律の話があるのですが、ここでは細かいことはあまり気にしないことにします。

１、全曲通しでパートごとの音をとる

当然といえば当然ですが、一般にはここから始めるでしょう。まずはそのパートの音を歌えるようになることが先決です。基準となる音を出しながら１パートのみ歌いますが、ピアノ等で単音（もしくはオクターブ）でとるのが普通です。パートの中で音程が分かれて和音ができている場合は、分けて練習します。

ある程度進んだら、曲の中で音程の取りにくい部分のみを取り出して繰り返すと効率が上がります。これにはパートごとの練習を管理する人がいると良いと思います。

２、伴奏のみで、１パート歌う

１がある程度進んだら、パートの音を出さずに伴奏のみ（アカペラなら無伴奏）で歌えるかどうかやってみます。もしここで崩壊したり、怪しい部分があれば１に戻ります。

３、別の１パートのみを弾いて、それに合わせて１パート歌う

重要なのは、和音を作る練習を意識することです。曲にも依りますが、例えばアルトならソプラノと同じ音型が多いのでソプラノパートのみを弾いて、それに合わせて歌います。これは同じ音型の音を聞きながら、それに合わせて和音を作る良い練習になります。

進んだら、アルトとソプラノを合わせて歌ってみます。

４、別のパートを全て弾いて、それに合わせて１パート歌う

他のパート全部聞きながら、合わせて歌う練習です。録音や打ち込みを使った練習であれば、歌うパートのみを除いてそこを歌います。怪しければ１に戻るか、パートの音も戻して確認をします。

音とりは、本当は一人ずつ行うと合っているかずれているかが判り易くて良いです。ですから、パートごとの音源の入った録音や音源を用意して個人練習を行うことが非常に効果的です。この時に、そのパートの音だけでなく、他のパートの録音、全てのパートが入った録音、伴奏のみの録音と用意すると上の練習ができるのでおすすめです。